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20. März 202220. März 2022Allgemein, Ausstellung, eigene Beiträge

Ai Weiwei in der Albertina modern (Künstlerhaus)

Unter dem Titel „IN SEARCH OF HUMANITY“ wird eine Werkschau des chinesischen Künstlers gezeigt.

Ai Weiwei möchte uns die Augen öffnen und uns anregen uns mit seiner Sicht auf Gesellschaft und Kultur auseinanderzusetzen.

Am Beginn der Ausstellung. Hier der offizielle Text zur Programmatik: IN SEARCH OF HUMANITY Ai Weiwei – berühmt als Menschenrechtsaktivist – zählt zu den einflussreichsten Künstlern unserer Zeit. Seine bislang umfangreichste Retrospektive gibt Einblick in alle Schaffensphasen seiner mehr als vier Jahrzehnte währenden Laufbahn und lässt seine unvergleichbaren ästhetischen Gestaltungsprinzipien erkennen. Die frühen Objekte Ais verknüpfen logisch und funktional nicht zusammengehörige Gegenstände zu einer überraschenden Rätselhaftigkeit: Eine Schaufel zieht sich einen warmen Pelz über, zwei Schuhe paaren sich wie ineinander verkeilte Mistkäfer. Er befreit die Dinge von ihrem Gebrauchswert und fügt Fundstücke zu einer neuen Objektwelt zusammen. Fragmente, Deformationen und Überreste aller Arten bevölkern Ais Werk. In ihm spiegelt sich das Erlebnis der schrecklichen Jahre der „Kulturrevolution“, ihres Vernichtungsfeldzugs im Dienst der maoistischen Umerziehung des Volkes. Das ästhetische Prinzip der Destruktion sensibilisiert den Künstler für die Entdeckung zerstörter Skulpturen, deren Fragmente Ai wie kostbare Reliquien präsentiert. Später – unter dem Eindruck der bewaffneten Auseinandersetzungen in Syrien – fahndet er nach Bruchstücken, die die Zerstörungswut von Krieg anprangern. All diese Readymades – das Laufband von Julian Assange oder der mit geheimem NSA-Material gefüllte Stoffpanda – lassen uns die Welt auf ungebräuchliche Weise wahrnehmen. Ohne das Arrangement der von Flüchtlingen am Strand hinterlassenen Schwimmwesten, die sich wie eine Lotosblume um eine tonnenschwere Kristallkugel legen, würde die Katastrophe der Migranten bald wieder unanschaulich werden: vergessen durch Gewöhnung. Ein weiteres Gestaltungsprinzip ist die Metamorphose. Die Verwandlung mittels Marmor etwa setzt den Dingen ein Denkmal: Es sind Erinnerungen an seine Kindheit, Traumata seiner Gefangenschaft, Türen abgerissener Häuser, die der Modernisierung Chinas zum Opfer gefallen sind. Ai präsentiert seine Handschellen im kostbaren Gefäß einer edlen Vitrine oder stellt steinerne Monumente auf einen Sockel. Ertrunkene Flüchtlinge, von Heuschrecken leergefressene Kornfelder oder die Navigationsroute der Sea-Watch 3 baut Ai aus bunten Legosteinen zu beunruhigenden Bildern. Lego, das berühmteste Spielzeug der Welt, verliert seine kindliche Unschuld. Der visuelle Scherz bekommt eine tiefere Bedeutung. Die von diesen Metamorphosen ausgehende Verwirrung, die Verwandlung von Dingen in unbrauchbare Monumente, öffnet das Tor zu weitreichenden politischen Assoziationen und Interpretationen. Nie war Konzeptkunst anschaulicher, sinnlicher und engagierter.

geborstene angerostete Teile von Containern stehen für Zerstörung und verloren gegangene Heimat.

Eine gewisse Ästhetik steht aber dem beklemmenden Eindruck dieses Objektes gegenüber.

komplexe Auseinadersetzung mit dem Thema: FAHRRÄDER Das erste Fahrrad-Objekt Ai Weiweis entsteht 2003. Wie schon in seinem Frühwerk bezieht er sich damit auf Marcel Duchamp und dessen Readymades, konkret auf das Fahrrad-Rad (1913), für das Duchamp ein Vorderrad samt Gabel verkehrt herum auf einen Hocker montiert hat. Das Fahrrad hat in China eine ganz eigene Bedeutung, denn das Land galt lange als Fahrradnation. Ai selbst hat als Kind erlebt, wie wichtig es war, ein eigenes Fahrrad als Fortbewegungsmittel zu besitzen. Noch in den späten 1980er-Jahren gibt es in China kaum motorisierte Privatfahrzeuge, die Fahrräder dominieren den Stadtverkehr. Im Laufe der Jahrzehnte wird sich das ändern. Die Städte wachsen, und die Distanzen sind nicht mehr mit dem Fahrrad zu bewältigen. Immer mehr Menschen können sich ein Auto leisten und steigen um, was zur hohen Smogbelastung in den chinesischen Großstädten beiträgt. Alle diese Aspekte vereint Ai in seinen Fahrrad-Werken. Er zieht dafür meist ein bestimmtes Fabrikat der Shanghaier Marke Forever heran. Ai montiert die Fahrräder so aneinander, dass sie nicht mehr funktionstüchtig sind, ohne Lenker, Pedale und Ketten, teils ohne Sattel. Er spielt damit auf die chinesische Bevölkerung an, auf deren Synchronisierung und Uniformierung, deren Zusammenspiel als Kollektiv, das jedoch dem Einzelnen kaum Bewegungsfreiheit ermöglicht.

in diesem Raum steht die ablehnende Auseinandersetzung mit Etabliertem im Mittelpunkt.

weitere Ansicht in dem Raum, der mit einer Thementapete ausgekleidet ist.

„Stinkefinger“ als Zeichen der Auflehnung/Ablehnung.

2010 schuf Ai Weiwei diese 12 Skulpturen. Das Projekt erinnert an die Plünderung des kaiserlichen Sommerpalasts Yuanming Yuan nahe Peking durch französische und britische Truppen 1860, bei der zwölf solcher Skulpturen geraubt wurden. Fünf davon sind bis heute verschwunden. Ai Weiwei hat sich deshalb an eine behutsame Neuinterpretation der historischen Vorbilder gewagt. Es folgen die zwölf chinesischen Tierkreiszeichen. Ich beginne mit dem Drachen, weil er mir besonders gut gefällt, und ein Symbol für China darstellt. De Reihenfolge ist korrekt, nur müßte der Kreis mit der Ratte beginnen.

ein Blick in den Raum, in dem der Tierkreis angeordnet ist, umgeben von Pixelbildern. Es sind aus Legosteinen nachgebildete Darstellungen der Figuren.

Ein anderer Raum wird dominiert von einer monumentalen Schlange, die aus lauter Rucksäcken gebildet ist. Sonst befinden sich hier eine Große und 6 kleinere Diorama-Boxen. Nachdem in Sechuan in China 2008 bei einem Erdbeben über 5.000 Kinder beim Einsturz einer Schule ums Leben kamen, setzte sich Ai Weiwei für Recherchen über die Ursache der minderwertigen Bausubstanz im Schulwesen ein. Das brachte ihn mit der Obrigkeit in Konflikt und er wurde arrestiert. Die Idee für die Schlange aus Rucksäcken kam ihm, als er auf dem Einsturzgelände zahlreiche Rucksäcke ums Leben gekommener SchülerInnen entdeckte.

Foto der Beschreibung des Objektes: Decken-Schlange. Gut zu erkennen der Ausschnitt aus der Tapete, die den ganze Raum auskleidet.

Die große Box ist eine begehbare 1:1 Nachbildung der Arrestzelle.

Die Beschreibung zu den 6 Dioramen in den kleineren Boxen, die jeweils durch ein Zellenfenster betrachtet werden können.

Blick in die erste Box: S für Supper – minutiös dargestellt.

„Hangin Man“ (1985); einfach aus einem Kleiderhaken gebogen.

Neolithische Vase mit CocaCola-Logo (1994)

„Die Bäume sind Totholz aus den Gebirgen der Provinz Jiangxi. Diese Äste wurden entweder vom Blitz getroffen oder einfach zu alt, und man hat sie jahrzehntelang sich selbst überlassen. Also dachte ich, es wäre schön, sie wieder zu einem Baum zusammenzufügen, aber aus unterschiedlichen Baumarten, von 100 verschiedenen Orten stammend. Wir haben sie so montiert, dass sie sämtliche Details eines gewöhnlichen Baums aufweisen. Zugleich empfindest du ein Unbehagen, Irgendetwas ist seltsam, ungewohnt. Es ist, als würde man versuchen sich vorzustellen, wie der Baum einmal ausgesehen hat.“

diesen angeordneten Metallteilen ist eine zweidimensionale Projektion in der Tapete gegenübergestellt.

Skulptur aus dreibeinigen Hockern. Sowohl die Skulptur selbst, als auch der Schattenwurf strahlen eine eigene Ästhetik aus.

Bei genauerem Hinsehen erkennt man, dass hier nicht einfach Hocker zusammenmontiert wurden, sondern teils komplexe Verbindungen bestehen, indem einzelne Beine gleichzeitig mehreren Hockern zugehören.

„Landkarte von China besteht aus dem Holz eines alten Tempels, der aufgrund von Baumaßnahmen abgerissen wurde. Ich werde oft gefragt, ob hier eine bestimmte politische Aussage dargestellt ist, doch wurde die Arbeit dem Material und dessen Möglichkeiten folgend angefertigt. Sämtliche Verbindungen wurden entsprechend jeder einzelnen Form ausgeführt. Das Hauptproblem bestand in der Lösung der Aufgabe, 100 Teile fest und exakt zusammenzuhalten. Die Landkarte ist hier nur die äußere Form.“

bei genauem Hinsehen finden sich hier Jahresringe, Leimstellen und Risse, die wieder eine kartographieähnliche Struktur ergeben.

Dieses Werk ist eine Lege-Nachbildung des berühmten Gemäldes Der Raub der Töchter des Leukippos (1618) von Peter Paul Rubens. Den Putto am linken Rand ersetzt Ai durch einen Panda, der dem Geschehen nun am Rande unbemerkt beiwohnt. Dass der Künstler bekannte Werke, Ikonen der westlichen Kunstgeschichte, heranzieht, sehen wir in einigen seiner jüngsten Lege-Arbeiten. Er verändert sie leicht und passt sie dadurch an die Themen der heutigen Zeit an.

Selbst alltägliche Dinge erhalen durch die Darstellung in edlem Material plötzlich herausragende Bedeutung. Ob Melone, Überwachungskamera, Schutzhelm, Sessel oder Rutschauto.

Das Rutschauto, fein nachgebildet in edlem Marmor.

Möbelskulpturen Mit dem kulturellen Erbe und dem Umgang mit Kulturgütern befasst sich Ai Weiwei auch in seinen Arbeiten aus Holz. Für die Möbelskulpturen greift er auf traditionelle chinesische Einrichtungsgegenstände zurück und lässt diese von versierten Tischlern nach seinen Vorstellungen umbauen. Dabei legt er Wert darauf, dass die gleichen historischen Kunsthandwerkstechniken verwendet werden, die bereits seit Ewigkeiten in Chinas Möbelherstellung Anwendung finden, wobei unsichtbare Steckverbindungen die einzelnen Teile zusammenhalten und die Arbeitsweise dem Material folgt. Nichts Neues wird hinzugefügt, nichts Altes, das entfernt wurde, geht endgültig verloren. Durch die Neuanordnung verlieren die Möbel ihre Funktionalität. Sie werden auf eine schockierende Weise zwecklos, indem sie vom realen Gebrauch ausgeschlossen werden. Als Kunstwerke erfüllen sie jedoch nun einen neuen Zweck. Die Werkgruppe aus bizarren Tischen und surrealen Arrangements einfacher Sitzhocker knüpft in ihrem Witz an Ais frühe Arbeiten in New York an, an den Dadaismus und dessen Lust an der Zerstörung. Ein Tisch springt mit drei Beinen in die Ecke, ein anderer lehnt sich faul an die Wand.

diese gestapelten Vasen sind tatsächlich in traditionellem Stil mit aktuellen Szenen neu gestaltet und kombiniert.

Schwimmwesten, eine Glaskugel und ein LEGO-Bild nach einem Foto, in dem Ai Weiwei eine an den Strand gespülte Person nachstellt.

Odyssee, (2017) Tapete (in den Screens werden Flüchtlingsszenen gezeigt.) … der Kontext der Flüchtlingskrise ist wesentlich breiter. Unterschiedliche Geschichten, regionale und religiöse Konflikte, wirtschaftlicher Druck und Umweltkrisen haben zu dem beigetragen, was wir als Flüchtlingskrise begreifen. Mein Team und ich untersuchten dies, beginnend bei den frühesten menschlichen Wanderungsbewegungen, die bis ins Alte Testament zurückreichen. Besonders für die Tapete versuchten wir eine visuelle Sprache zu entwickeln, die unmittelbar beeinflusst war von frühen griechischen und ägyptische Reliefschnitzereien, Tongefäßen und Wandmalereien. In diesen Kontext setzten wir die neuen Konflikte mit Bildern, die wir auf Social Media und im Internet fanden, sowie Bildern von Ereignissen, in die ich selbst involviert war. Jenseits der Bilder zogen wir auch Literatur sowie die politischen Verhältnisse der verschiedenen Epochen in Betracht. Es dauerte über ein halbes Jahr, bis die Zeichnung vollendet war. Sie bezieht sich auf sechs Themen: Krieg, die Ruinen des Krieges, die Reise der Flüchtenden, die Überquerung des Meeres, die Flüchtlingslager sowie die Demonstrationen und Proteste.“ Ai Weiwei

Szenendetail aus der Tapete – der antike Stil der Darstellung, der unst den aktuelle Probleme und Nöte vor Augen stellt, löst Beklemmung aus.

Ladestation eines Flüchtlingslagers (2015) Dieses Fundstück, das Ai Weiwei zum Kunstwerk deklariert, (á la Readymade von Marcel Duchamp) stammt aus einem aufgelassenen Flüchtlingslager. Die Telefonzentrale zählt in jedem Lager, wo Kommunikation alles bedeutet, zum belebtesten Ort, an dem Tausende von Menschen versuchen, mit ihren in der Heimat zurückgelassenen Familien in Kontakt zu treten, sich über die beste Route nach Europa zu informieren oder um an Ladestationen wie dieser ihr Handy aufzuladen.

5. März 20225. März 2022Allgemein, Architektur, eigene Beiträge

die Alte Universität Wien am Ignaz Seipel Platz

Die Alten Universität Wien liegt am Doktor Ignaz Seipel Platz im ersten Bezirk direkt neben der Jesuitenkirche. Die Nähe ist herzuleiten aus der Aufgabe mit der die Jesuiten nach Wien geholt wurden, nämlich zur Ausbildung. Die Alte Universität vorwiegend im 17. Und 18. Jahrhundert gestaltet beherbergte bis in die Mitte des 19 Jahrhunderts die Universität Wien und die Sternwarte. Heute befindet sich darin unter Anderem die Akademie der Wissenschaften.

Hier geht es zum Beitrag über die Aula: https://www.atkultur.at/die-aula-der-alten-universitaet-wien/

Die Alte Universität wurde jüngst aufwendig saniert und strahlt in neuem Glanz. Blick auf den Doktor Ignaz Seipel Platz, auf dem sich das Gebäude der Alten Universität neben der Jesuitenkirche befindet.

Blick der die Fassade der Jesuitenkirche hervorhebt

die reich gestalteten Tympani und die Attikavasen

die Kaiserinsignien über dem Hauptportal

5. März 20225. März 2022Allgemein, Architektur, eigene Beiträge

die Aula der Alten Universität Wien

Im Inneren der Alten Universität Wien. Das Gebäude am Ignaz Seipel Platz beherbergt heute die Akademie der Wissenschaften. Hier das Stiegenhaus und die Aula.

Darstellungen von aussen in einem eigenen Beitrag: https://www.atkultur.at/die-alte-universitaet-wien-am-ignaz-seipel-platz/

Ein weiterer Blick in der Säulenhalle, von der aus die Stiegenhäuser erschlossen werden.

Im ersten Stock wo sich der Zugang zur Aula befindet.

Die Aula mit dem Deckengebmälde das ursprünglich vom italienischen Freskenmaler Gregorio Guglielmi (1714-1773) stammt. Das Gemälde wurde 1961 durch Brand zerstört und vom akademischen Maler und Restaurator Paul Reckendorfer (1913-1989); wieder rekonstruiert.

Schrägansicht des Saales, mit Figurennischen und Balkonen. Die Mitte des Freskos stellt die Apotheose von Maria Theresia und Franz I. dar. Ein durchaus beliebtes Motiv in der Barockzeit.

Weitgehende Gesamtdarstellung des Freskos. Gut zu erkennen sind die zwei Balkone in der Mitte der Längsseiten.

Die vier Hauptmotive stellen jeweils eine der vier Fakultäten dar. Hier die Theologie.

Raumecke mit Bogenfenster, Standluster und Figurenpaar. Die Figuren in den Nischen stellen Allegorien herrscherlicher Tugenden dar.

Prudentia et Vigilatia … Klugheit und Wachsamkeit

Fides et Constantia … Glaube und Standhaftigkeit

Justitia et Sapientia … Gerechtigkeit und Weisheit

2. März 20222. März 2022Allgemein, Architektur, eigene Beiträge

Das Haus „Portois & Fix“ in der Ungargasse

In der Ungargasse 59-61 steht es. Das „Haus Portois & Fix“, auch „Max Fabiani-Haus“ genannt. Aber was hat es damit auf sich?

Dieses markante Haus in der Ungargasse wurde für die Firma Portois & Fix, die in der Möbelherstellung und der Innenausstattung tätig war um 1900 errichtet. Es ist das erste Werk von Architekt Max Fabiani, (1865-1962) der ein Schüler von Otto Wagner war.

Fenster und Fassadendetail: Das Haus wurde 2 Jahre nach dem Majolikahaus von Otto Wagner erbaut. Beiden gemeinsam ist die abgesetzte Sockelzone und die fliesenbelegte Fassade in den Obergeschossen. Während Otto Wagner mit verzierten Fliesen arbeitet, setzt Fabiani auf ein Muster durch die Anordnung der unterschiedlich getönten, einfärbigen Quadratfliesen.

Fensterdetail. Auffallend die braun gefärbten Rahmenflisen die mit dem Grün harmonieren. Darüber die Abdeckung der Rolläden, in aus genietetem Kupferblech nachgebildeten Stoffwellen.

Den oberen Abschluss der Fassade bildet eine wellenförmiges Sims mit Traufgitter. Dahinter kann man die Fenster des Dachgeschoßes erkennen.

Das Eckdeatil zeigt den gerundeten Dachquerschnitt und die elegante Ecklösung des Traufgitters. In den Fliesen kann man die Jahreszahl der Erbauung finden MCM also 1900 erkennen. Pixelschrift zur Jahrhundertwende.

die originale Leuchtenlösung an der zweigeschoßigen Sockelzone.

Schönes unteres Abschlussdetail der Auslagenverglasungen.

im Stiegenhaus. Elegant gestaltet mit Naturstein, Fliesen und fein relieffiertem Putz.

Die Stufen schwingen sich, im natürlich hell erleuchteten Stiegenhaus, hinauf.

Hohe planerische und handwerkliche Qualität in der Ausführung.

Hier finden naturnahe Pastelltöne zu einer besonderen Harmonie.

Stiegenhausblick im obersten Stock. Liftkabine und Handläufe in Holz, gestrichene Metallkonstruktion mit feinem Dekor, – nicht überladen – und der fein stukturierte Putz strahlen Harmonie aus und man ist angeregt dieses Stiegenhaus zu Fuß zu durchschreiten.

Unmittelbar vor dem Verlassen des Hauses. – oder möchte man doch noch etwas verweilen?

23. Februar 202223. Februar 2022Allgemein, Architektur, Ausstellung, eigene Beiträge

Das Naturhistorische Museum in Wien

das Naturhistorische Museum wurde im Zuge der Ringstraßenbebauung, gemeinsam mit dem, im Wesentlichen baugleichen, Kunsthistorischen Museum, geplant von Gottfried Semper und Carl Hasenauer errichtet. Die Fertigstellung des NHM erfolgte 1889 zwei Jahre vor dem KHM.

Das Stiegenhaus ist gestaltet durch das Deckengemälde „Der Kreislauf des Lebens“ und den 12 Lunetten vom Akademischen Maler Hans Canon (1829-1885). In den Nischen an den Pfeilern sind Marmorstatuen bedeutender Forscher und Wissenschaftler angebracht. Von links nach rechts: Aristoteles, Johannes Kepler, Isaak Newton, Carl von Linné, Abraham Gottlob Werner und Georges Cuvier.

In der Mitte des Aufganges befindet sich das Gemälde: „Kaiser Franz I. mit den Vorständen der vier wissenschaftlichen Hofinstitute“.

Franz I. (Franz Stephan von Lothringen, der Gatte von Maria Theresia) war selbst sehr an Naturwissenschaften interessiert und hat eine Sammlung zusammengetragen, die Basis für die Objekte zur Gründung des NHM war.

zentaler Blick über das Stiegenhaus des NHM.

Gegenblick des Stiegenaufganges. Die beiden Statuen an der Stirnseite stellen Jörn Jakob Berzelius und Alexander von Humboldt dar.

Ein paar Hinweise zu diesen Persönlichkeiten:

der achteckige Kuppelraum ist mit allegorischen Darstellungen der Wissenschaften des NHM gestaltet. Hier: Mineralogie, Geologie und Paläontologie.

in diesem Ausschnitt: Botanik, Anthropologie und Ethnographie.

Das Naturhistorische Museum wurde errichtet um den bedeutenden naturwissenschaftlichen Sammlungen der Habsburger eine gebührende „Bühne“ zu schaffen. Die Ausstellungsräume sind anders gestaltet als jene des Kunsthistorischen Museums. Der Saal zum Thema Mikrokosmos.

die größten Tiere der Welt. Die alten Sammlungen entsprechen vielfach nicht mehr einer heutigen wissenschaftlichen Präsentation, sind aber selbst historische Zeitdokumente.

ein Forschungsschiff, steht für die Forschungsreisen, die das Kaiserhaus gefödert und an denen teils Habsburger selbst teilgenommen haben.

Die direkteste Anspielung auf Charles Darwins Theorie ist der sogenannte „Darwin-Fries“ vom österreichische Bildhauer Johannes Benk (1844-1914): ein Affe, der sich selbst auf die Brust deutet, hält einem Knaben den Spiegel vor, doch der Knabe bedeckt seine Augen, weil er sein Spiegelbild und den Affen nicht sehen will. Ein zweiter Affe hinter dem Knaben hält ein aufgeschlagenes Buch mit der Aufschrift „Darwin. Abstammung des Menschen“ in Händen.

Die Säle sind vielfach mit Gemälden von Landschaften mit Bezug zu den Ausstellungsobjekten gestaltet.

Die Entwicklung des Homo Sapiens, mit Darstellungen von Kulturbauten, geistigen und handwerklichen Schöpfungen, des Menschen.

der Sauriersaal, eines der Highlights und Anziehungspunkt für Kinder im NHM.

an der Wand: Gemälde von Fundorten von Mineralien.

Spiel mit der Symmetrie. Im Hintergrund ein Gemälde vom Erzberg in der Steiermark.

15. Februar 202215. Februar 2022Allgemein, Architektur, eigene Beiträge

Die Werkbundsiedlung in Wien Hietzing

Die Werkbundsiedlung in Hietzing ist ein Kleinod der Architekturgeschichte der Zwischenkriegszeit.

Im Umfeld des Bauhaus in Deutschland entstand in Stuttgart 1929 die Siedlung am Weissenhof (auch Werkbundsiedlung genannt) bei der einige der berühmtesten Architekten der Zeit in einer Anlage Planung für zeitgemäße Wohnarchitektur schufen.

Wenig später 1932 entstand die Werkbundsiedlung Wien, im 13. Bezirk im Bereich Jagsschlossgasse/Veitingergasse, die weitgehend dasselbe Konzept mit lokalen Protagonisten der Architekturszene realisierte. Die Meisten von ihnen sind (in Insiderkreisen) auch heute als Wegweiser der österreichischen Architektur bekannt.

Die Siedlung ist überwiegend privat bewohnt, ist aber weitgehend originalgetreu erhalten.

Das Haus in der Veitingergasse an der Ecke Jagicgasse. Architekt: André Lurçat, Paris (1894 – 1970) stellt quasi das architektonische Signet der Siedlung dar.

Blick aus der Woinivichgasse. Eine echte Gartensiedlung. Haus 8/9/10/11 geplant von Josef Hoffmann, Wien Im Hintergrund ist das vorige Objekt zu erkennen.

Haus 12 nach der ursprünglichen Numerierung der Siedlung (aktuell gibt es davon abweichende Straßennummerierungen der Stadt Wien) ist von Josef Frank, Wien, (1885 – 1967) dem Initiator und künstlerischen Leiter der Wiener Werkbundsiedlung geplant. Damit verbunden ist dieses Trafohäuschen, das als Informationsnische gestaltet ist.

Hier ein Bild der Informationstafel der beteiligten Architekten. Die wohl bedeutendsten Österreicher sind neben Josef Frank: Josef Hoffmann, Clemens Holzmeister, Adolf Loos und Margarethe Schütte-Lihotzky; neben diesen wahrscheinlich bekanntesten Namen sind auch weitere Wegweiser die Architektur der Zwischenkriegszeit beteiligt gewesen. Als internationale Größen sind Hugo Häring, Berlin, Richard Neutra, Los Angeles, und Gerrit Rietfeld, Utrecht vertreten.

der Lageplan mit der originalen Nummerierung der Siedlung, wie sie in der Tafel vorher mit den Zuweisungen beschrieben sind. Ziel des Projektes war es in einer Mustersiedlung Grundrisstypologien für zeitgemäßes Wohnen auf kleinem Raum zu entwickeln und Impulse und Anregungen für die Architektur der Zeit zu geben. Wesentlich waren da auch die zugeordneten Grünflächen.

Bei diesen Reihenhäusern sind jeweils zwei gleich gestaltete Objekte vom einem Planer: von rechts: Haus 23/24, Clemens Holzmeister, Wien; Haus 21/22, Eugen Wachberger, Linz; Haus 19/20, Walter Loos, Wien; und das höhere Doppelhaus Haus 17/18, zu Ende der Zeile von: Karl Augustinus Bieber, Eindhoven und Otto Niedermoser, Wien;

Detail der Reihenhäuser mit Garten. Während Josef Frank für das Gesamtkonzept und die künstlerische Leitung zuständig war, gab es auch ein Färbelungskonzept für die Anlage, von László Gábor (1895–1944), Maler und geschäftsführender Sekretär des Werkbundes.

Ein weiters Reihenhausdetail. Bauherr war die städtische Wohnbaugesellschaft Gesiba unter Generaldirektor Hermann Neubacher, dem Präsidenten des Österreichischen Werkbundes. Bei der Eröffnung am 4. Juni 1932 sprachen Bundespräsident Wilhelm Miklas und Bürgermeister Karl Seitz.

Planer von Haus 69/70 an der Jagdschossgasse ist Helmut Wagner-Freynsheim, Wien

Haus 63/64 von Arthur Grünberger, Hollywood

die Anlage befindet sich in sehr gut restauriertem Zustand, wie hier gut zu erkennen ist.

Hier Eindrücke von der kleinen „Plaza“ im Zenrum der Anlage. Haus 49/50 51/52; Adolf Loos , Wien, (Mitarbeit: Heinrich Kulka, Wien)

ein weiterer Blick: Haus 49/50 51/52; Adolf Loos , Wien, (Mitarbeit: Heinrich Kulka, Wien)

Haus wie vor, im Hintergrund dunkelgelb: Haus 48; Hans Adolf Vetter, Wien; Die Häuser sind an sich eher unspektakulär. Das Besondere liegt im zetlichen Kontext, der Konzeption der ganzen Anlage und in den unterschiedlichen architektonischen Konzepten.

Blick die Zeile der zuletzt gezeigten Häuser entlang. Am linken Bildrand: Haus 61/62; Margarete Schütte-Lihotzky, Wien-Moskau; Haus 57/58; Max Fellerer, Wien

Haus 39/40; Oswald Haerdtl, Wien; an der Ecke Jagdschlossgasse / Veitingergasse

aus dieser Blickrichtung sieht diese Eckausbildung fast turmartig aus; das ist ein perspektivischer Effekt. Gut zu erkennen sind die handwerlichen Details bei Geländern und Fenstern.

Hier derselbe Baukörper mit Blick entlang der Veitingergasse.

Gegenblick die Veitingergasse entlang. Im Vordergrund Haus 29/30; Walter Sobotka, Wien

nähere Informationen: https://www.werkbundsiedlung-wien.at/ hier gibt es eine wirklich aussergewöhnlich ausführliche Dokumentation mit Plänen und historischen Berichten.

12. Februar 202212. Februar 2022Allgemein, Architektur, eigene Beiträge

die Villa Wustl in Wien Hietzing

Auf diesem Grundstück mit Doppeladresse: 1130 Wien Hietzinger Hauptstraße 38-40 bzw. Auhofstraße 13-15 steht die Villa Wustl. Diese wurde 1912-1914 nach Plänen von Architekt Robert Oerley für den Industriellen Richard Wustl als großbürgerliche Villa errichtet. Heute steht sie unter Denkmalschutz, wurde aber in einzelne Wohnungen aufgeteilt.

Wenn die Bäume wenig belaubt sind, kann man die Struktur des Baues erkennen. der mächtige Kubus wird gleichsam mit der Dachstruktur verschnitten, was eine Art Attikageschoß ergibt. Oben wird das Dach durch eine Laternenkranzartige Veranda geöffnet.

Auf der Sockelzone mit Rustikastruktur setzen Säulenstrukturen an. Kleinformatige gebauchte als Geländer und großformatige tonnenförmige als Balkonsäulen. Gleich ist denen eine feine wabenartige Strukturierung.

Bei diesem Gebäude ist jedes Detail durchdesignt.

Die Front zur Auhofstraße mit überdachtem Eingangsbereich. Wer weiss, wo er diese Schalen schon gesehen hat?

Diese Schalen sind ident mit den beiden Schalen vor der Secession. Diese wurden von Architekt Robert Oerley 1876 -1945 entworfen, der Mitglied und zeitweilig Präsident der Secession war.

etwas entferntere Blicke geben ein besseres Bild auch der Dachstruktur.

4. Februar 20224. Februar 2022Allgemein, Architektur, eigene Beiträge

im Unteren Belvedere in Wien

Eindrücke im Bereich des Unteren Belvedere in Wien. Es war die Sommer-Residenz des Prinzen Eugen. Er hatte das Grundstück mit einem Gebäude, knapp außerhalb der damaligen Stadtmauern, angekauft. Er ließ das Gebäude von Lucas von Hildebrandt 1714-16 zum Sommerpalais mit Gartenanlage umbauen. Die Anlage wurde zu Repräsentationszwecken um das Obere Belvedere und den großen Barockgarten erweitert. Fertigstellung 1723. Links ist die alte Orangerie, rechts das Schloss.

Die Orangerie des Unteren Belvedere. (Exotische Pflanzen gehörten damals zu den edlen Hobbies der adeligen Gesellschaft.) In der Mitte die Brunnnennische. Die Orangerie ist aktuell der Haupt-Ausstellungs-Bereich des Unteren Belvedere.

Der barocke Brunnen im Kammergarten zentral in der Fassade der Orangerie.

Im Winter ohne Wasser. Die Figuren an der muschelförmigen Brunnenschale.

die Altanten, die die Brunnenschale tragen.

feudales Schmiedeeisen-Portal zwischen dem großen Barockgarten und dem Kammergarten vor der Orangerie.

Der Groteskensaal: Dieser für die Zeit typische Ausstattungsstil in der Sala terrena (ebenerdiger Saal). Die Malereinen des Augsburgers Jonas Drentwett stellte an der Decke des Groteskensaals die vier Jahreszeiten und in den Ecken die vier Elemente dar.

Die fensterlosen Wände zeigen die Schmiede des Vulkan …

… sowie die drei Grazien, Verkörperung der Prinzipien des Männlichen und des Weiblichen. Die Malereien sind größtenteils original erhalten.

Detail aus der Groteskenmalerei, die durchaus als Brücke zum Werk Dalis (der aktuellen Ausstellung) gesehen werden kann.

Die Marmorgalerie im Unteren Belvedere liegt im westlich Trakt des Schlosses mit Zugang zum Kammergarten. Der Saal mit Marmorboden und Marmor-Applikationen an den Wänden, weist reiche Stukkatur auf und 7 bogenförmige Nischen mit Statuen.

Die Marmorstatuen stammen vom italienischen Barockbildhauer Domenico Parodi (1672 – 1742).

Die Figur vollformatig aufgenommen. Ich konnte keine Erklärung zu den einzelnen Darstellungen finden.

Die Figur in der mittleren Nische der Längsseite.

Hier nochmals eine Darstellung mit der ganzen Nische deren Viertelkalotte mit einer muschelähnlichen Struktur gestaltet ist.

Längsblick durch den Saal. Links geht es zum Kammergarten. An der Front sind große Spiegel angebracht.

Spiegel im Spiegel wird zu einer endlosen Sequenz, da beide Strinseite idente Spiegel aufweisen.

Dieses Zeitdokument des Saales weist auf historische Figuren hin die ursprünglich hier ihren Platz fanden. Diese wurden allerdings schon 1735 verkauft und durch weitere Skulpturen von Domenico Parodi ersetzt, was dem jetzigen Zustand entspricht.

Detail der Malerei im Goldenen Kabinett. Nach dem Tod des Prinzen Eugen verkaufte seine Nichte das Schloss an den Hof unter Maria Theresia. Damals wurde das Goldene Kabinett aus Elementen des Stadtpalais des Prinzen ausgestattet.

Blick in das goldene Kabinett mit Spiegeln und asiatisch anmutenden Schränken die damals in Mode waren.

3. Februar 20223. Februar 2022Allgemein, Ausstellung, eigene Beiträge

Dali / Freud Ausstellung im Unteren Belvedere

Bildausschnitt aus einem Exponat aus der Ausstellung Dali – Freud im Unteren Belvedere. Diese Ausstellung stellt einen hochinteressanten Einblick in Einfluss und Denkweise des Salvador Dali (1904 – 1989) dar. Es beleuchtet seine Schaffensperiode von ca 1920 bis 1938.

Salvador Dali, Bildnis seiner Schwester Ana Maria. In jungen Jahren war die Schwester beliebtes Modell für Dali.

die kubistische Phase: Pierrot mit Gitarre. Salvador Dali 1923.

Komposition mit drei Figuren (Neukubistische Akademie), Salvbador Dali 1926

Kurzbeschreibung des Inhaltes der Ausstellung

Zeichnungen aus der Arbeit von Siegmund Freud. Hier verschwimmen dann medizinischer Hintergrund und grafische Qualität. Beides wird zum Einfluss auf Dalis Arbeit. Dali befasst sich intensiv mit den Neurologischen Studien und Schriften Freuds.

Santiago Ramón y Cajal, forscht an der Struktur von Nervenzellen. Hier eine Grafik zu Zellstrukturen.

Santiago Ramón y Cajal und Federico Garciá Lorca sind in Spanien in der Traumforschung tätig.

Grafik von 1929/31 Federico Garciá Lorca (1898 – 1936) Schriftsteller; gehörte zum Freundeskreis von Dali

„das düstere Spiel“ 1929; Salvador Dali; auf der Rückseite befindet sich eine Grafik von Fderico Garciá Lorca.

die besagte Grafik von Federico Garciá Lorca an der Rückseite von Dalis Gemälde.

Gradiva entdeckt die anthropomorphen Ruinen, (retrospektive Phantasie), Salvador Dali, 1931/32

der Alarmzustand, 1934, Salvador Dali, mit dominierendem Rahmen

Paranonia, das Werk mir prorammatischem Titel, 1935 Salvador Dali

Dali verfasst Schriften über die „paranoisch-kritische“ Methode, die seinen Schaffensprozess erläutert.

„Schwäne spiegeln Elefanten wider“ Salvador Dali 1937 betrachte das Bild aufmerksam und Du wirst die Schwäne und die Elefanten erkennen. Mehrdeutige Interpretationsmöglichkeiten gehöre zu Dalis Werk.

Siegmund Freud; Grafik von Salvador Dali 1937; Dali hat die ins spanische übersetzten Schriften Freuds gelesen und verehrt ihn. Bei zwei Wienreisen bleibt es ihm verwehrt seinem Idol zu begegnen.

Fadenspiel-Hände-Stuhl; 1938 Salvador Dali / Edward James

1938 kommt es zum langersehnten Treffen von Dali mit Freud, der vor den Nazis ins Exil nach London geflohen ist. Dali erstellt bei der Gelegenheit ein Bildnis von Freud.

ein typischer Dali dieser Schaffensphase der paranoisch kritischen Methode, die 1938 endet und der diese Ausstellung gewidmet ist. Das Werk enthält viele Details, die unterschiedliche Deutungen zulassen.

30. Januar 202230. Januar 2022Allgemein, Ausstellung, eigene Beiträge

Prunkuhr aus dem KHM Wien

höchste Fertigkeit in Gestaltung und Mechanik aus dem 17. Jahrhundert